Nell'architettura Europa occidentale Nel Medioevo dominavano due stili principali: romanico (durante l'alto medioevo) e gotico - dal XII secolo.

La base della sintesi romanica era l'architettura di culto, che univa principi artistici, ideologici, funzionali e costruttivi in ​​un unico insieme. La tipologia dominante dell'edificio religioso era la chiesa del monastero, nella quale lo spirito dell'epoca si esprimeva più pienamente. Ciò rifletteva l'intera vita spirituale e materiale dell'Europa occidentale del periodo romanico, dove la chiesa era la principale forza ideologica e il monastero era un centro culturale con un'economia abilmente stabilita, che disponeva delle forze e dei mezzi necessari per la costruzione. Il tempio allungato, di tipo basilicale, divenne dominante in Occidente. Si basava sull’idea del cammino come allusione alla “via della croce”, via della sofferenza e della redenzione, come espressione dell’idea fondamentale del cattolicesimo.[p.246, 8]

Una nuova parola nell'arte del Medioevo occidentale fu pronunciata in Francia a metà del XII secolo. I contemporanei chiamarono l'innovazione “maniera francese”; i discendenti iniziarono a chiamarla gotico; Il tempo dell'ascesa e della fioritura del gotico - la seconda metà dei secoli XII e XIII - coincise con il periodo in cui la società feudale raggiunse l'apogeo del suo sviluppo.

Il gotico come stile fu il prodotto di una serie di cambiamenti sociali dell'epoca, le sue aspirazioni politiche e ideologiche, agendo in interazione dinamica, sorsero come risultato della loro risultante. Non un solo fenomeno di quel tempo, non importa quanto significativo fosse, che si trattasse di “rivoluzioni comunali” o di lotta per rafforzare il potere centrale, teoria papale, scolastica o cultura cavalleresca, movimenti di massa, cambiamenti nei concetti spaziali o crescita delle capacità di costruzione , possono spiegare individualmente l'origine e lo sviluppo del gotico. Lo stile gotico ha origine nei domini dei re francesi. E i governanti di altri paesi - Inghilterra, Spagna, Repubblica Ceca - introdussero lo stile gotico come simbolo della monarchia cristiana.

La cattedrale era la più importante luogo pubblico città e rimase la personificazione dell’“universo divino”. Nel rapporto delle sue parti c'è una somiglianza con la costruzione delle “somme” scolastiche e nelle immagini c'è un collegamento con la cultura cavalleresca. L'essenza del gotico sta nella giustapposizione degli opposti, nella capacità di unire nella combustione spirituale un'idea astratta e il brivido vivente della vita, l'infinità cosmica dell'universo e la concretezza espressiva del dettaglio, nella capacità di permeare la carne terrena con il movimento dell’energia spirituale. Questo equilibrio sul bordo di due sfere contrastanti conferiva all'arte gotica un'intensità speciale e un'intensità mozzafiato. Nell'unità degli opposti, nella polisemia del fenomeno gotico, va ricercato il motivo delle valutazioni contraddittorie che il gotico ha ricevuto nel corso dei secoli.

21.Epopea eroica del Medioevo.

epica oica- un tipo di poesia popolare. genere - una lunga poesia, composta da cantanti provenienti da guerrieri, ambiente clericale, eseguita - dagli Huglar · consiste in una serie di strofe di lunghezza disuguale, collegate da assonanza (come il francese), scritte in linguaggio popolare - "sbagliato". dimensione - versi con un numero indefinito di sillabe (8-16)

Argomenti: difesa dai nemici esterni (Mori = Saraceni, Normanni, Sassoni) · servizio fedele al signore, al re · feudi feudali · erano chiamati “chanson de gesta” (canzone delle gesta).

"Song of Cid" 1140. ed epica eroica spagnola.

1. L'epica spagnola fortemente riflessa eventi politici: · lotta contro i Mori a scopo di reconquista (cattura da parte dei Mori - 711) · discordia tra feudatari - dipinta come un grande male, come tradimento · lotta per la libertà di Castiglia (dal regno di Leon, l'unico che non è stato catturato)

Sid è una figura storica (Rodrigo Díaz de Bivar), l'eroe di due poesie: "PoS" (precoce, vicino alla storia - fu scritta "davanti a testimoni"; Sid morì nel 1099) e "Rodrigo" + molti romanzi . Vissuto XI. Soprannome sid = "Mr." Alfonso VI - Re di Castiglia, favoriva Leon e odiava Sid, lo espulse. Nella poesia i suoi vassalli se ne vanno con lui, in realtà la maggior parte dei vassalli rimane e tutti coloro che sono generalmente insoddisfatti della politica di Alfonso si uniscono a lui.

Fu mercenario per molto tempo, poi riconquistò Valencia. Poi Sid fece pace con Alfonso e combatterono contro i Mori. La grande figura della riconquista è un eroe popolare, il “mio Cid”. La poesia contiene 3735 versi ed è divisa in due parti: · sull'espulsione · sul matrimonio e sull'insulto alle figlie. Peculiarità:· formulaicità, ripetizione · un modo di presentazione più asciutto e professionale rispetto a Roland

• un'abbondanza di caratteristiche quotidiane, temi familiari. Sid ha 50 anni, moglie, 2 figlie. non c'è iperbolismo e un elemento soprannaturale (né fiabesco, né cristiano) non c'è esclusività di sentimenti cavallereschi - terrosità, Sid è principalmente un "eufemismo" prudente di Sid - si dice che sia un “; infanson” (proprietario di vassalli), (era un grande)

"La canzone di Roland" (1100). associato all'immagine di Carlo Magno. Nella poesia appare in una forma idealizzata.

• Partecipa attivamente ad alcune poesie e compie personalmente imprese. Nella sua giovinezza, in fuga dai traditori, fugge in Spagna, combatte valorosamente, conquista l'amore della figlia del re saraceno, torna in Francia e viene incoronato.
• In altri passa in secondo piano, unisce tutta l'azione, ma cede il ruolo ai paladini, in particolare ai 12 pari (uguali), primo fra tutti Roland. Autore sconosciuto: ha preservato il significato profondo e l'espressività dell'antica leggenda, l'ha collegata alla modernità vivente, ha trovato una brillante forma artistica Fonte - fatti storici, ma distorto:
• VIII -Carlo è intervenuto nella guerra civile tra musulmani? assediata Saragozza? la retroguardia fu sconfitta dai baschi (non mori musulmani, ma baschi cristiani)
• c'era Hruotland - Roland - morto in questa battaglia. Caratteristiche: iperbolizzazione (scala degli eventi), (i templi di R. stanno scoppiando) idealizzazione dei personaggi principali (R., Karl, arcivescovo Turpin, Olivier)
• l'idea della lotta religiosa e il ruolo speciale della Francia in questa lotta (segni celesti, chiamate religiose, denigrazione dei "pagani", protezione del "nostro" da parte di Dio, R. - un vassallo di Carlo e di Dio, l'immagine di Turpino - contemporaneamente benedice i francesi per la battaglia e combatte se stesso) la morte di R. è simbolica (non ci sono ferite e, a causa della necessità interna - pentimento), la tragedia della morte di R. è attenuata - va in paradiso e. consegna il guanto a Dio, come un signore celeste. Influenza: "PoP" è stato scritto poco prima della prima crociata - l'influenza della sua propaganda, contraddizioni socio-politiche - l'episodio del tradimento di Ganelon è forte. Confronti: Karl - Ganelon: come la patria (causa comune) - traditore R. - Ganelon - personale
• R. - Olivier - 2 varianti di un principio positivo, R. - immensamente coraggioso, O. - prudente.

Epopea eroica "La canzone dei Nibelunghi", ma nelle proprietà è vicino ai romanzi cavallereschi.

· c'è sicuramente qualcuno che ha compilato la contaminazione, non solo un copista - dalla Germania meridionale (l'attuale Austria)

• è questo un cortigiano? parla delle complessità dell'etichetta con conoscenza della materia, non per sentito dire. composizione:
• 2 parti (confine - una lite tra due regine): sul matchmaking, sulla vendetta 39 parti - avenurs (per evento)
• pervenuto in 33 copie, 1 - originale, pubblicato nel XIX 3. La trama risale a tre strati:
• il primo strato - il più antico - mitologico - esposto nell'Edda; il secondo - V, la sconfitta dei Burgundi da parte degli Unni - la modernità dell'autore proposto;

4. caratteristiche dell'epopea eroica:

• litigio psicologico tra regine: la gerarchia e il vassallaggio sono importanti
• ciò che è importante è la finzione, la vivacità, l'inedito, no evento storico. la cronologia e la geografia non contano, ciò che conta è l’inferno verticale? noi? il paradiso, ciò che conta è il risultato, dove finisci
• la vita umana è temporanea, la verità è nell'eternità; le immagini degli eroi non contano;

5. Caratteristiche di un romanzo cavalleresco

• l'eroe è un cavaliere, un principe di nobile famiglia all'inizio ("la fanciulla... più bella e nobile di tutte...), l'eroe si innamora subito di lei, semplicemente perché ha motivi di servire una dama, amore e vendetta coniugale, onore e fedeltà feudale, vacanze, tornei, caccia, battaglie, valore militare, forza dei cavalieri
• narrativa dettagliata, dettagli, descrizioni, episodi, esperienze dei personaggi

6. peculiarità

• "Linea del Nibelungo", strofe di 4 versi con rime accoppiate, ripetizioni costanti, ripetizione frazionaria e ritmica del ritmo - tonico (secondo il numero di accenti) 10.000 versi, ma facilmente percepibili
• Tedesco medio-alto (?molte lingue sopravvissero fino al XVI secolo)

7. luoghi comuni: · l'eroe uccide il drago · disputa tra fratelli · motivo della gigantessa maga e corteggiamento nei suoi confronti

Scultura.

La maggior parte delle sculture romaniche furono integrate nell'architettura della chiesa e servirono a scopi sia strutturali, costruttivi che estetici. Pertanto, è difficile parlare di scultura romanica senza toccare l'architettura ecclesiastica. La scultura di piccola dimensione dell'era preromana in osso, bronzo e oro è stata realizzata sotto l'influenza di modelli bizantini. Altri elementi di numerosi stili locali furono presi in prestito dall'artigianato del Medio Oriente, noto per i manoscritti miniati importati, le sculture in osso, gli oggetti d'oro, le ceramiche e i tessuti. Importanti erano anche i motivi derivati ​​dalle arti dei popoli migranti, come figure grottesche, immagini di mostri e motivi geometrici intrecciati, soprattutto nelle zone a nord delle Alpi. Le decorazioni scultoree in pietra di grandi dimensioni divennero comuni in Europa solo nel XII secolo. Nelle cattedrali romaniche francesi di Provenza, Borgogna e Aquitania, molte figure erano collocate sulle facciate e le statue sulle colonne enfatizzavano gli elementi di sostegno verticali.

Pittura.

Esempi esistenti di pittura romanica includono decorazioni di monumenti architettonici, come colonne con disegni astratti, nonché decorazioni murali con immagini di tessuti appesi. Su ampie superfici delle pareti erano raffigurate anche composizioni pittoriche, in particolare scene narrative basate su soggetti biblici e sulla vita dei santi. In queste composizioni, che ricalcano in gran parte la pittura e i mosaici bizantini, le figure sono stilizzate e piatte, tanto da essere percepite più come simboli che come rappresentazioni realistiche. Il mosaico, proprio come la pittura, era essenzialmente una tecnica bizantina ed era ampiamente utilizzato nella progettazione architettonica delle chiese romaniche italiane, in particolare nella Basilica di San Marco (Venezia) e nelle chiese siciliane di Cefalù e Montreal. Arti decorative. Gli artisti proto-romani raggiunsero il livello più alto nell'illustrare i manoscritti. In Inghilterra, un'importante scuola di illustrazione di manoscritti sorse già nel VII secolo a Holy Island (Lindisfarne). Le opere di questa scuola, esposte al British Museum (Londra), si distinguono per l'intreccio geometrico di motivi in ​​maiuscolo, cornici e ricoprono densamente intere pagine, chiamate tappeti. I disegni con lettere maiuscole sono spesso ravvivati ​​da figure grottesche di persone, uccelli e mostri. Le scuole regionali di illustrazione dei manoscritti dell'Europa meridionale e orientale svilupparono stili specifici diversi, come si può vedere, ad esempio, nella copia dell'Apocalisse della Beata (Parigi, Biblioteca nazionale), realizzata a metà dell'XI secolo presso il monastero di San -Sever nel nord della Francia. IN inizio XII secolo, l'illustrazione dei manoscritti nei paesi settentrionali acquisì caratteristiche comuni, proprio come la stessa cosa avvenne a quel tempo con la scultura. In Italia, l’influenza bizantina continuò a dominare sia nella pittura in miniatura, nelle pitture murali che nei mosaici. La lavorazione dei metalli preromanica e romanica, una forma d'arte diffusa, veniva utilizzata principalmente per creare utensili da chiesa per rituali religiosi. Molte di queste opere sono ancora conservate nei tesorieri di grandi dimensioni cattedrali fuori dalla Francia; Le cattedrali francesi furono saccheggiate durante la Rivoluzione francese. Altri oggetti in metallo di questo periodo sono i primi gioielli in filigrana celtica e oggetti in argento; prodotti tardivi degli orafi tedeschi e oggetti in argento ispirati ai prodotti metallici bizantini importati, oltre a meravigliosi smalti, soprattutto cloisonné e champlevé, realizzati nelle zone dei fiumi Mosella e Reno. Due famosi metalmeccanici furono Ruggero di Gelmar-Schausen, un tedesco noto per la sua lavorazione del bronzo, e lo smaltatore francese Godefroy de Clare. L'esempio più famoso di lavoro tessile romanico è il ricamo dell'XI secolo chiamato Arazzo di Bayeux. Sopravvivono altri esempi, come paramenti e tendaggi ecclesiastici, ma i tessuti più preziosi dell'Europa romanica furono importati da Impero bizantino, Spagna e Medio Oriente e non sono prodotti di artigianato locale. L'arte e l'architettura gotica sostituirono lo stile romanico man mano che le città fiorivano e miglioravano pubbliche relazioni venni nuovo stile - Gotico. Edifici religiosi e secolari, sculture, vetri colorati, manoscritti miniati e altre opere d'arte iniziarono ad essere eseguiti in questo stile in Europa durante la seconda metà del Medioevo. L'arte gotica ebbe origine in Francia intorno al 1140, si diffuse in tutta Europa nel secolo successivo e continuò ad esistere nell'Europa occidentale per gran parte del XV secolo e in alcune regioni d'Europa fino al XVI secolo. La parola gotico fu originariamente usata dagli scrittori del Rinascimento italiano come etichetta dispregiativa per tutte le forme di architettura e arte del Medioevo, considerate paragonabili solo alle opere dei barbari Goti. L'uso successivo del termine "gotico" fu limitato al periodo del tardo medioevo, alto o classico, immediatamente successivo al romanico. Attualmente il periodo gotico è considerato uno dei più importanti nella storia della cultura artistica europea. La principale rappresentante ed esponente del periodo gotico fu l'architettura. Sebbene un gran numero di monumenti gotici fossero secolari, lo stile gotico servì principalmente alla chiesa, il più potente costruttore del Medioevo, che assicurò lo sviluppo di questa nuova architettura per quel tempo e raggiunse la sua piena realizzazione. La qualità estetica dell'architettura gotica dipende dal suo sviluppo strutturale: le volte a costoloni divennero un tratto caratteristico dello stile gotico. Le chiese medievali avevano potenti volte in pietra molto pesanti. Hanno cercato di aprirsi e di abbattere i muri. Ciò potrebbe portare al crollo dell'edificio. Pertanto, i muri devono essere sufficientemente spessi e pesanti da sostenere tali volte. All'inizio del XII secolo, i muratori svilupparono volte a vela, che comprendevano sottili archi in pietra disposti diagonalmente, trasversalmente e longitudinalmente. La nuova volta, più sottile, leggera e versatile (poiché poteva avere più lati), risolse molti problemi architettonici. Sebbene le prime chiese gotiche consentissero un'ampia varietà di forme, la costruzione di una serie di grandi cattedrali nel nord della Francia, a partire dalla seconda metà del XII secolo, sfruttò appieno la nuova volta gotica. Gli architetti della cattedrale scoprirono che le forze di spinta esterne delle volte erano ora concentrate in aree ristrette in corrispondenza delle giunture delle nervature e potevano quindi essere facilmente contrastate da contrafforti e archi rampanti esterni. Di conseguenza, le spesse mura dell'architettura romanica poterono essere sostituite da altre più sottili che includevano ampie aperture per finestre, e gli interni ricevettero un'illuminazione fino ad allora senza precedenti. Pertanto, ha avuto luogo una vera rivoluzione nel settore delle costruzioni. Con l'avvento della volta gotica, cambiarono sia il design, la forma, la disposizione che gli interni delle cattedrali. Le cattedrali gotiche acquisirono un carattere generale di leggerezza, aspirazione verso l'alto e divennero molto più dinamiche ed espressive. La prima delle grandi cattedrali fu Notre Dame (iniziata nel 1163). Nel 1194 fu fondata la cattedrale di Chartres, considerata l'inizio del periodo alto gotico. Il culmine di quest'epoca fu la Cattedrale di Reims (iniziata nel 1210). Piuttosto fredda e conquistatrice nelle sue proporzioni finemente equilibrate, la Cattedrale di Reims rappresenta un momento di pace e serenità classica nell'evoluzione delle cattedrali gotiche. Partizioni traforate, tratto caratteristico L'architettura tardo gotica fu l'invenzione del primo architetto della cattedrale di Reims. Soluzioni interne fondamentalmente nuove furono trovate dall'autore della cattedrale di Bourges (iniziata nel 1195). L'influenza del gotico francese si diffuse rapidamente in tutta Europa: Spagna, Germania, Inghilterra. In Italia non era così forte. Scultura. Seguendo le tradizioni romaniche, in numerose nicchie sulle facciate delle cattedrali gotiche francesi, un numero enorme di figure scolpite nella pietra furono collocate come decorazioni, personificando i dogmi e le credenze della Chiesa cattolica. Scultura gotica nel 12 e inizio XIII secolo era prevalentemente di natura architettonica. Le figure più grandi e importanti erano collocate nelle aperture su entrambi i lati dell'ingresso. Poiché erano attaccate alle colonne, erano conosciute come statue a colonna. Insieme alle statue colonnari, erano diffuse le statue monumentali autoportanti, una forma d'arte sconosciuta nell'Europa occidentale fin dall'epoca romana. Le prime che ci sono pervenute sono le statue delle colonne nel portale occidentale della cattedrale di Chartres. Si trovavano ancora nell'antica cattedrale pregotica e risalgono al 1155 circa. Le figure slanciate e cilindriche seguono la forma delle colonne a cui erano attaccate. Sono eseguiti in uno stile romanico fresco, austero e lineare, che tuttavia conferisce alle figure un carattere impressionante di spiritualità decisa.

Dal 1180, la stilizzazione romanica iniziò a trasformarsi in una nuova, quando le statue acquisirono un senso di grazia, sinuosità e libertà di movimento. Questo cosiddetto stile classico culmina nei primi decenni del XIII secolo in un'ampia serie di sculture sui portali dei transetti nord e sud della cattedrale di Chartres. L'emergere del naturalismo. A partire dal 1210 circa sul Portale dell'Incoronazione della Cattedrale di Notre Dame e dopo il 1225 sul Portale Ovest della Cattedrale di Amiens, l'effetto a catena del classico design delle superfici inizia a lasciare il posto a volumi più formali. Le statue della Cattedrale di Reims e all'interno della Cattedrale della Sainte-Chapelle hanno sorrisi esagerati, occhi decisamente a mandorla, riccioli disposti in mazzi su piccole teste e pose manierate producono un'impressione paradossale di una sintesi di forme naturalistiche, delicata affettazione e spiritualità sottile.

Tempio gotico. Colonia

Il secondo grande stile del Medioevo fu il gotico. Lo stile gotico ha origine in Francia, ed è lì che sono state create le opere più belle di questo stile. Dalla Francia, lo stile gotico si diffuse in altri paesi dell’Europa occidentale. Lo stile gotico dominò dal XII al XVI secolo, anche se in Italia fu abbandonato già nel XV secolo. Lo stile gotico prese il nome in seguito dalla tribù germanica - "Goti", sebbene non avessero nulla a che fare con questo stile. All'inizio questo nome era sprezzante e avrebbe dovuto significare tutto ciò che è selvaggio e barbaro. Al giorno d'oggi, lo stile gotico è considerato uno dei fenomeni artistici più sottili, belli e sorprendenti.

Vetrata dentro tempio gotico

Vetrate in una chiesa gotica

Vetrate in una chiesa gotica

Il grande scrittore russo N.V. Gogol scrisse con entusiasmo del gotico: “L'architettura gotica... è un fenomeno che non è mai stato prodotto prima dal gusto e dall'immaginazione dell'uomo... Tutto in essa è collegato insieme: questa foresta di volte, finestre , spontaneamente e in alto sopra la tua testa enorme e stretto con innumerevoli cambiamenti e legature, aggiungendo a questa terrificante colossalità una massa delle più piccole decorazioni eterogenee; questa leggera rete di intagli, che si intreccia con la sua rete, lo circonda dal piede all'estremità dello spitz e vola via con esso verso il cielo, grandezza e allo stesso tempo bellezza, lusso e semplicità, pesantezza e leggerezza - questi sono tali virtù che mai, se non in questo caso, l’architettura non ha potuto accoglierla”.

L'interno del tempio: nervature, archi, vetrate colorate.

Gotico - stile artistico, che completò lo sviluppo dell'arte medievale nell'Europa occidentale, centrale e in parte orientale. La sua nascita e il suo sviluppo sono associati alla crescita e alla ricchezza dei monasteri, nonché alla trasformazione delle città in grandi centri di commercio e artigianato. In epoca romanica lo scopo principale di castelli e monasteri era quello di proteggere, ripararsi dal nemico, quindi le strutture erano pesanti, massicce, e la difficoltà principale era la costruzione di solai robusti e pesanti.

Cattedrale di Reims

In epoca gotica, al contrario, si cercò di alleggerire gli edifici, di renderli più eleganti e snelli. Per ottenere questa leggerezza, furono costruite chiese romaniche secondo i requisiti dello stile gotico. Un esempio di ricostruzione di una chiesa romanica è la cattedrale di Notre Dame in Francia. Apparvero torri ogivali e monofore. Ma tutto ciò che rimane della poderosa architettura romanica sono massicce mura lisce, pesanti torri e sobrie decorazioni scultoree. Una chiesa gotica si riconosce subito dagli archi a sesto acuto delle finestre e dei portali. Le chiese non sembrano più fortezze, come nel periodo romanico, ma si innalzano facilmente verso il cielo con le loro torri snelle e appuntite, come se non fossero affatto fatte di pietra.

Cattedrale di Notre Dame

Vetrate gotiche

Enormi finestre di vetro colorato - vetrate - occupano così tanto spazio che non rimangono quasi più muri. Le volte sono sostenute da pilastri ricoperti da semicolonne, che ricordano un mazzo di una specie di steli. Nella parte superiore, le semicolonne si ramificano e si trasformano in nervature (nervature), che si intrecciano tra loro. Erano disposti in pietra scolpita o in mattoni. I costoloni sorreggevano le volte, che erano molto più sottili e leggere di quelle romaniche. Tutte le parti dell'edificio sembrano correre verso l'alto. Le torri appuntite, come se volassero verso l'alto, a volte coprono l'edificio come una foresta. L'impressione di leggerezza e grazia è esaltata dalle decorazioni in pizzo realizzate in pietra scolpita. Coloro che entravano nella chiesa rimanevano molto colpiti dalla sua spaziosità, altezza e solenne maestosità. Una brillante luce rossa o blu intenso si riversava attraverso il vetro colorato e rendeva tutto intorno a me misterioso e ultraterreno.

Cattedrale di Chartres in Francia

Il gotico ha lasciato molti bei monumenti in varie città europee. La Francia è considerata la culla del gotico. Le cattedrali di Parigi, Amiens e Reims in Francia, le cattedrali di Colonia e Naumburg in Germania e le cattedrali di Vienna e Praga hanno portato fama mondiale. Gli edifici gotici in Italia erano spesso decorati con blocchi di marmo multicolori di colori alternati: bianco, verdastro, grigio e talvolta rosa. Durante l'epoca gotica, tutta l'Europa occidentale era ricoperta di pittoreschi castelli feudali con numerose torri, merli e ponti levatoi. Anche le città di quel tempo erano circondate da mura. Strade dentro città medievale le case strette e piccole sono addossate le une alle altre.

Cattedrale di Salisbury, Inghilterra.

Cattedrale di Notre Dame

Cattedrale gotica

Gli scultori hanno imparato a trasmettere le esperienze delle persone e i loro personaggi.

La scultura gotica è stata un passo notevole verso l'espressività e la veridicità nella rappresentazione della natura. I rilievi divennero più convessi, apparvero sculture rotonde (voluminose), come in Grecia. Di solito le figure sono molto alte, snelle, allungate, dolcemente curve, indossando abiti lunghi con pieghe pittoresche. Le pose sono naturali e spirituali. Particolarmente diffusa in questo periodo divenne l'immagine della Vergine Maria (Madonna) con il Bambino Cristo in braccio. Notevole è il gruppo scultoreo del conte Ekkehard e di sua moglie Uta nella cattedrale della città tedesca di Naumburg. Lo scultore è riuscito a trasmettere in modo convincente i personaggi delle persone. Il conte Ekkehard è un tipico feudatario, potente e deciso, si comporta con calma e dignità. L'esatto opposto di lui è la gentile, fragile e affascinante Uta; era come se una specie di sogno luminoso fosse congelato sul suo viso; il gesto con cui premeva la guancia sul bavero del mantello era molto naturale.

La scultura è diventata non solo in rilievo, ma anche tridimensionale

Caratteristiche della scultura gotica

Scultura gotica. Abbazia di Bath, Inghilterra.
Il passaggio dallo stile romanico allo stile gotico nella scultura avvenne un po' più tardi che nell'architettura, ma poi lo sviluppo avvenne a un ritmo insolitamente rapido e la scultura gotica raggiunse il suo culmine nel giro di un secolo.
La scultura gotica era una parte organica dell'architettura della cattedrale. Il principio dell'unità di tutti i tipi di arti e la loro subordinazione all'architettura hanno trovato nel gotico un'incarnazione luminosa e completa. Lo sviluppo delle arti plastiche è indissolubilmente legato all'architettura gotica. Lei occupa il primo posto belle arti questa volta. Sebbene il gotico conoscesse il rilievo e si rivolgesse costantemente ad esso, il tipo principale di scultura gotica era la statua. L'emergere della scultura gotica è associata alla costruzione delle cattedrali di Chartres, Reims e Amiens, che contano fino a duemila opere scultoree.


Scultura all'interno della cattedrale di Chartres.
Il gotico è il periodo di massimo splendore della scultura monumentale, in cui aumenta l'importanza della scultura statuaria, e in rilievo appare una brama di altorilievo - altorilievo.

Le figure gotiche sono percepite, soprattutto sulle facciate, come elementi di un'unica gigantesca composizione decorativa e monumentale. Singole statue o gruppi di statue, indissolubilmente legate al muro della facciata o ai pilastri del portale, sono, per così dire, parti di un grande rilievo multifigurato.

Michel Colom San Giorgio che uccide il drago Castello di Gayon, Francia
Tuttavia, quando un cittadino diretto al tempio si avvicinava al portale, l'integrità decorativa complessiva della composizione scompariva dal suo campo visivo e la sua attenzione veniva attratta dall'espressività plastica e psicologica delle singole statue che incorniciavano il portale. , e i rilievi della porta, che raccontano dettagliatamente un evento biblico o evangelico. All'interno, le figure scultoree, se poste su mensole sporgenti dai pilastri, erano visibili da più lati. Movimenti completi, differivano nel ritmo dagli snelli pilastri diretti verso l'alto e affermavano la loro speciale espressività plastica.

Andrea PisanoNascita del Salvatore, Battistero, Firenze
Compositivo e piano ideologico la decorazione scultorea era subordinata al programma sviluppato dai teologi. Il fulcro delle composizioni scultoree erano i portali, dove grandi statue di apostoli, profeti e santi si susseguivano in fila, come se salutassero i visitatori. Timpani, archi di portali, spazi tra loro, gallerie degli ordini superiori, nicchie di torrette e vimpergi erano decorati con rilievi e statue. Molte piccole figure e scene furono collocate negli archivolti, nei transetti, su mensole, zoccoli, piedistalli, contrafforti e tetti.

Hans Mulcher
Santissima Trinità, 1430, Cattedrale di Ulm, Germania
I capitelli erano intrecciati con foglie e frutti; foglie semifiorite (granchi) correvano veloci lungo le sporgenze dei cornicioni, le nervature delle torrette, e gli archi rampanti delle guglie erano coronati da un fiore (crocifere); Gli infissi delle finestre erano pieni di motivi traforati intagliati. Nel tempio, particella dell'universo, hanno cercato di incarnare il concetto religioso della storia umana con i suoi lati sublimi e bassi.
Scultura del portale della cattedrale di Chartres
La cattedrale nel suo insieme era come un'immagine del mondo trasformata religiosamente e raccolta in un unico focus. Ma l'interesse per la realtà e le sue contraddizioni invase impercettibilmente i temi religiosi. È vero, i conflitti della vita, la lotta, la sofferenza e il dolore delle persone, l'amore e la simpatia, la rabbia e l'odio sono apparsi nelle immagini trasformate delle leggende del Vangelo: la persecuzione del grande martire da parte di pagani crudeli, le disgrazie del patriarca Giobbe e la simpatia di i suoi amici, il grido della Madre di Dio per il figlio crocifisso, ecc.

Andrea Pisano Campanile della Cattedrale di Santa Maria del Fiore 1337-1343, Firenze
In termini di scelta dei soggetti, così come nella distribuzione delle immagini, i giganteschi complessi scultorei gotici erano soggetti alle regole stabilite dalla chiesa. Le composizioni sulle facciate delle cattedrali nella loro totalità davano un'immagine dell'universo secondo idee religiose. Non è un caso che il periodo di massimo splendore del gotico sia stato il periodo in cui la teologia cattolica si sviluppò in un rigoroso sistema dogmatico, espresso nei codici generalizzati della scolastica medievale: "Summa Theology" di Tommaso d'Aquino e "Il grande specchio" di Vincenzo di Beauvais.

Klaus Sluter Profeta Geremia Pozzo dei Profeti
Portale centrale facciata occidentale, di regola, era dedicato a Cristo, talvolta alla Madonna; il portale destro è solitamente dedicato alla Madonna, quello sinistro al santo, particolarmente venerato in questa diocesi. Sul pilastro che divideva in due metà le ante del portale centrale e che sorreggeva l'architrave, era posta una grande statua di Cristo, Madonna o santo. Sulla base del portale erano spesso raffigurati “mesi”, stagioni, ecc. Ai lati, sulle pendici delle pareti del portale, erano raffigurate figure monumentali di apostoli, profeti, santi, personaggi dell'Antico Testamento e angeli. posizionato.

Madonna col Bambino di Hans Mulcher, 1440, Landsberg, Germania
Talvolta venivano qui presentati soggetti di carattere narrativo o allegorico: l'Annunciazione, la Visita di Maria di Elisabetta, le Vergini Ragionevoli e Stolte, la Chiesa e la Sinagoga, ecc.

Andrea Pisano Santa Reparata Museo del Duomo, Firenze
Il campo del timpano della porta era pieno di altorilievi. Se il portale era dedicato a Cristo, il Giudizio Universale era raffigurato nella seguente versione iconografica: Cristo siede in alto, indicando le sue ferite, ai lati la Madonna e l'evangelista Giovanni (in alcuni punti fu sostituito da Giovanni il Battista), attorno angeli con gli strumenti del tormento di Cristo e gli apostoli; in una zona separata, sotto di loro, è raffigurato un angelo che pesa le anime; a sinistra (dallo spettatore) ci sono i giusti che entrano in paradiso; a destra demoni che catturano le anime dei peccatori e scene di tormento all'inferno; ancora più in basso: l'apertura delle bare e la risurrezione dei morti.

Pozzo dei Profeti K. Sluter 1395-1406 Monastero ChanmolDigione, Francia
Quando si raffigurava la Madonna, il timpano veniva riempito con scene: l'Assunzione, la Portata della Madonna in cielo da parte degli angeli e la sua incoronazione celeste. Nei portali dedicati ai santi, sui timpani si dispiegano episodi della loro vita. Sugli archivolti del portale, che ricoprivano il timpano, erano collocate figure che sviluppavano il tema principale riportato nel timpano, ovvero immagini che erano in un modo o nell'altro ideologicamente legate al tema principale del portale.

"Vergini stolte." Sculture nella Cattedrale dei Santi Maurizio e Caterina a Magdeburgo
Le statue restavano collegate al muro, al sostegno. Le loro dimensioni erano esattamente proporzionate alle forme architettoniche. Le proporzioni allungate delle figure sottolineano le divisioni verticali dell'architettura. La plastica gotica, armoniosamente combinata con l'architettura, non le obbedisce più ciecamente, come avveniva nello stile romanico, ma, per così dire, vive la propria vita nella maggior parte della cattedrale.

Hans MulcherAngelo, 1456-1459 Museo Ferdinandium Tirol, Astria
Il ruolo della chirurgia plastica rotonda è aumentato. Le statue, che diventavano rotonde, staccate dal muro, erano spesso collocate in nicchie su piedistalli separati, e queste non erano più figure di pilastri congelate, non immagini-simboli, deformate nello spazio architettonico. Pieghe leggere, girate del busto, trasferendo il peso del corpo su una gamba, pose e gesti caratteristici riempiono le figure di movimento, che sconvolge in qualche modo il ritmo architettonico verticale della cattedrale.


Il segno distintivo della scultura gotica è il suo sottile riflesso dell'individualità umana. Le figure sono piene di infinita varietà e pienezza di vita. Umanità e dolcezza appaiono nelle caratteristiche dei santi. Le loro immagini diventano altamente individuali, concrete, il sublime si combina con il quotidiano.

Michel Colomme Lapide di Margritte de Foy, 1502 Cattedrale di Nantes, Francia
I volti sono animati da pensieri o esperienze, sono rivolti agli altri e tra loro, come se parlassero tra loro, pieni di unità spirituale. Ora i volti riverenti, ora spiritualmente aperti, ora chiusi e arroganti dei santi parlavano di una nuova comprensione della personalità umana. L'esistenza complessa e conflittuale dell'uomo nel mondo feudale era percepita come la relazione tra la volontà universale di Dio e le aspirazioni individuali delle persone.

Facendo rivivere le conquiste plastiche dei Greci (raffigurazione del volto di profilo e giro di tre quarti della figura), i maestri gotici seguono un percorso indipendente. Il loro atteggiamento nei confronti del mondo che li circonda è di natura più personale ed emotiva; seguono l'osservazione diretta, si rivolgono all'individuo, alle caratteristiche uniche e arricchiscono la loro plasticità con molti dettagli della vita. Nell'espressività della scultura gotica, la linea e il suo ritmo dinamico giocano un ruolo importante. Spiritualizza le figure e le unisce all'architettura.

Scultura gotica
L'artista gotico padroneggia l'espressione di sottili movimenti spirituali. Trasmette gioia e ansia, compassione, rabbia, emozione appassionata e pensiero doloroso. Il desiderio di introspezione, di riprodurre l’aspetto del proprio contemporaneo, è un tratto caratteristico dell’arte gotica. Le Madonne gotiche sono l'incarnazione della bella femminilità e della purezza morale; gli apostoli forti sono pieni di coraggio indistruttibile e di nobili impulsi. Appaiono gruppi, uniti da un'azione drammatica, varia nella composizione. L'artista fa piangere le donne sulla tomba del Salvatore, fa gioire gli angeli, preoccupa gli apostoli nell'Ultima Cena e soffre i peccatori. Grande espressività risiede nei drappeggi degli abiti, che sottolineano la plasticità e la flessibilità del corpo umano.

A partire dalla seconda metà del Duecento la plasticità delle cattedrali si fece più dinamica, le figure si fecero più mobili, le pieghe delle vesti si trasferirono su gioco difficile chiaroscuro. Le immagini a volte sono eseguite con vera perfezione, con ammirazione per la bellezza di una persona. Così, sulle statue della Cattedrale di Reims, la maggiore caratteristica del corpo si manifesta già in una linea curva, evidente nelle ampie pieghe che vanno dalla coscia ai piedi.

Questa linea dà una curva aggraziata ai fianchi, al petto e alle ginocchia. Le pieghe acquistano una pesantezza naturale; affondando profondamente, danno origine a un ricco gioco di luci e ombre, a volte diventando come i flauti delle colonne, a volte formando pause tese, a volte scorrendo con correnti nervose, a volte cadendo in tempestose cascate libere, come se riecheggiassero esperienze umane. Spesso il corpo è visibile attraverso abiti sottili, la cui bellezza comincia a essere riconosciuta e sentita da poeti e scultori di questo tempo.

In epoca gotica iniziò un ripensamento dell'immagine di Cristo. Ha perso gran parte della sua natura superreale. I contemporanei chiamavano la benedizione presentata da Cristo nella cattedrale di Amiens “il buon Dio di Amiens”. I suoi lineamenti sono segnati dal timbro della bellezza morale e terrena. Tutto il suo aspetto trasuda fermezza di spirito, convinzione pastorale ed esattezza di tutoraggio. La statua raffigura l'immagine di Cristo, un uomo gentile e allo stesso tempo coraggioso che protegge le persone e soffre per loro.
Nel “Cristo benedicente” della cattedrale di Amiens, i suoi lineamenti sono segnati dal timbro della bellezza morale e terrena. Il gesto della mano calmo e allo stesso tempo imponente ferma definitivamente lo spettatore, chiedendo l'adempimento del dovere, per una vita degna e pulita. Linee calme e larghe, che riassumono la parte superiore della figura, sottolineano la nobiltà contenuta della sua immagine; La cascata di panneggi degli abiti, precipitando verso l'alto, accentua l'espressività del gesto.
Sono raffigurate scene della vita terrena di Cristo, in cui si rivela la sua vicinanza all'umanità sofferente. Questa è l'immagine del “Cristo vagabondo” (Cattedrale di Reims), egocentrico, triste, riconciliato con il destino.
Tra le statue di Reims spiccano le potenti figure di due donne avvolte in lunghe vesti. Queste sono Maria ed Elisabetta. Ognuno di essi ha un significato plastico indipendente ed è posto su un piedistallo separato, allo stesso tempo sono uniti internamente. Leggermente rivolte l'una verso l'altra, le donne sono immerse in profondi pensieri. La giovane Maria, in attesa della nascita di Cristo, sembra ascoltare il risveglio della vita nuova. L'eccitazione spirituale si esprime non nei suoi lineamenti calmi e belli, ma nel movimento complesso del suo corpo, nella vibrazione tremante dei drappeggi dei suoi vestiti, flessibili linee tortuose contorni. Maria, con la sua illuminazione interiore e la sua elevazione spirituale, è in contrasto con l'immagine dell'anziana Elisabetta, cadente, con il viso smunto e rugoso, pieno di tragici presentimenti.
Create dai maestri di Reims, le immagini attraggono con forza morale, altezza di impulsi spirituali e allo stesso tempo semplicità vitale e carattere. Anna è pensosa dai lineamenti delicati, la frizzante mente gallica e l'ardore del temperamento traspaiono nel beffardo San Giuseppe. I singoli dettagli sono espressivi: uno sguardo acuto e vivace, baffi elegantemente arricciati, capelli selvaggiamente ricci, una barba riccia, una rapida svolta della testa verso l'interlocutore. La vigorosa modellazione di luci e ombre esalta la nitidezza dei lineamenti e la vivacità dell'espressione. Linee larghe che riassumono le forme conferiscono loro monumentalità.
Tra la gente, amiamo particolarmente l'immagine della Madonna con un bambino in braccio, che incarna la purezza fanciullesca e la tenerezza materna. A lei sono spesso dedicati dei portali. È raffigurata con una figura flessibile, con la testa dolcemente chinata verso il bambino, sorridente con grazia, con gli occhi socchiusi. Fascino femminile e morbidezza caratterizzano la "Madonna dorata" della facciata sud della cattedrale di Amiens (1270-1288 circa). Le ampie linee curve che vanno dall'anca al piede, già evidenti nelle statue di Reims, qui si sviluppano in un movimento pieno di ritmo nobile. Una linea morbida rivela la grazia della curva del busto, dei fianchi e delle ginocchia.
Il mondo delle immagini sublimi della scultura gotica comprende spesso motivi quotidiani: figure grottesche di monaci, figure di genere di macellai, farmacisti, vendemmiatori e mercanti. L'umorismo sottile regna nelle scene del Giudizio Universale, che hanno perso il loro carattere aspro. Tra i brutti peccatori ci sono spesso re, monaci e ricchi. Sono raffigurati i “Calendari di pietra” (Cattedrale di Amiens), che raccontano il lavoro e le attività dei contadini caratteristici di ogni mese.
E i motivi per rivolgersi alla vita di tutti i giorni erano mescolati con simboli astratti e allegorie. Pertanto, il tema del lavoro è incarnato in una serie di mesi dell'anno, rappresentati sia sotto forma di segni zodiacali risalenti all'antichità, sia attraverso la rappresentazione delle fatiche caratteristiche di ogni mese. Il lavoro è la base vita reale persone, e queste scene hanno dato all'artista gotico l'opportunità di andare oltre il simbolismo religioso. Anche le immagini allegoriche delle cosiddette arti liberali (grammatica, dialettica, retorica, aritmetica, geometria, astronomia e musica), comuni fin dal periodo tardo romano, sono associate alle idee sul lavoro. Numerose immagini di re, cavalieri, prelati, artigiani e contadini riflettevano la struttura gerarchica della società feudale.

Scultura gotica.Tomba dei Duchi di Borgogna. Digione, Francia.
La scultura tardo gotica, così come l'architettura di questo tempo, è caratterizzata dalla frammentazione e dalla frammentazione delle forme, ma c'è un indubbio interesse per le immagini dei ritratti, che generalmente non è caratteristico dell'arte medievale francese.
Una sezione importante della scultura gotica francese fin dai tempi di Luigi IX era costituita da lapidi, ma la scultura commemorativa conobbe il suo vero periodo di massimo splendore nel XIV secolo. Preoccupato di rafforzare il prestigio reale, Luigi IX ordinò che non meno di sedici lapidi dei monarchi francesi fossero rinnovate e ricostruite a Saint-Denis. Si trattava di strutture complesse sotto forma di un baldacchino, che ricordava una cattedrale gotica, o di sarcofagi con figure di santi attorno al perimetro. Qui veniva spesso utilizzato il motivo di un corteo funebre. Figure dei morti nel XIII secolo. stereotipati nella loro giovinezza idealizzata ed elegante; nel XIV secolo diventano più individualizzati, le caratteristiche del ritratto appaiono nel loro aspetto. Nella tomba di Filippo IV il Bello (1327), il volto del re con le sopracciglia sottili e il naso largo e appiattito non è privo di originalità.
Quanto più si sviluppa l'elemento decorativo in architettura, tanto più libera diventa la plasticità. Il tardo gotico, relegando in secondo piano il senso di opportunità con il suo carattere decorativo, portò la completa liberazione per le arti plastiche e creò una scultura libera.
Nel secondo terzo del XIII sec. la scultura monumentale, che fino a quel momento aveva cercato la libertà spaziale, si ritrovò nuovamente collegata al muro: le statue iniziarono ad essere collocate in nicchie con una cornice a tre petali, che riecheggiava il contorno della parte superiore della figura. La plasticità votiva, al contrario, a inizio XIV V. prese la forma di una statua indipendente. A questo punto, l'arte della decorazione dei portali era in declino e l'attenzione principale era focalizzata sulla scultura all'interno delle cattedrali. Tra i monumenti di questo circolo, i più notevoli sono la Madonna di Jeanne d'Evreux (1339, Louvre, Parigi) - una preziosa statuina in argento dorato fuso, e la Madonna col Bambino di Saint-Aignan (1330 circa, Notre Dame di Parigi), in cui le caratteristiche di uno stereotipo comune erano espresse più chiaramente. Insieme a queste statue votive, un ruolo significativo è stato acquisito anche dagli utensili commemorativi in ​​plastica e dai gioielli da chiesa.

Rilievo gotico
Il rilievo tardo gotico è caratterizzato dall'aspetto dell'ornamento, che non si accontenta più di motivi vegetali, ma è costituito da colonne arricciate attorno al proprio asse, piegate e ricoperte di dentelli. In Francia in quel periodo si parlava dello stile fiammeggiante. Tutto ciò che prima stava in piedi liberamente ora funge da cornice; tutto ciò che prima serviva da supporto ora è sospeso dall'alto verso il basso. Appare la ricchezza decorativa, sorprendente per la bellezza dei motivi ornamentali, che però sono privi di qualsiasi collegamento interno, servono solo come decorazione e distruggono senza pietà ogni forma con la loro alternanza su portali, finestre e porte. La ricchezza ornamentale è diventata bellezza autosufficiente.
Anche l'ornamento che decora i capitelli ha subito grandi cambiamenti. Scompaiono quasi del tutto le forme geometriche dell'ornamento dei capitelli, risalenti all'intreccio “barbarico”, e dell'acanto, di origine antichissima. I maestri gotici si rivolgono coraggiosamente ai motivi natura nativa: I capitelli dei pilastri gotici sono decorati con foglie lussureggianti di edera, quercia, faggio e frassino. Il capitello vegetale è un'importante innovazione della scultura di Reims, che ha avuto una grande risonanza europea. Le foglie d'acanto stilizzate e gli intrecci ornamentali furono sostituiti da motivi della flora locale, resi con straordinaria precisione.


Di grande importanza erano anche le decorazioni in pietra scolpita: fiori delle crocifere; spine di pietra che crescono come fiori e foglie sui rami di una foresta di pietra di contrafforti, archi rampanti e guglie di torri.

Costituendo un collegamento tra il cristianesimo e l'eredità classica, la civiltà della tarda antichità occupò un posto tra il tardo impero romano e il medioevo. Questo periodo iniziò con i lunghi regni di Diocleziano (284-305) e Costantino (307-337) e durò due o tre secoli, variando da regione a regione. Dopo che Diocleziano stabilì un governo tetrarchico con due "Augusto" e due "Cesari", il sistema divenne una diarchia nel 313, e poi, nel 324, Costantino conquistò Licinio, unificando l'Impero sotto il cristianesimo. Questa libertà religiosa fu presto espressa nell'arte monumentale cristiana attraverso la costruzione delle prime basiliche cristiane e l'introduzione delle prime decorazioni monumentali. Nelle città, le élite municipali e i grandi proprietari immobiliari, che spesso possedevano residenze di campagna, decoravano superbamente le loro case. L’architettura pubblica ha cercato di superare i modelli del passato. La Basilica Nova a Roma fu iniziata da Massenzio nel 308 e completata da Costantino. Le sue tre navate monumentali poggiavano su un'ampia piattaforma ed erano coronate da un'enorme abside occidentale contenente una colossale statua dell'imperatore.

Il simbolo della città, l'arco trionfale di Costantino, costruito dal Senato e dal popolo romano nel 315, si erge nei pressi del Colle Palatino. Il monumento è costituito da tre navate con colonne libere e un gruppo scultoreo, comprendente elementi di riutilizzo di monumenti precedentemente conosciuti, a riconoscimento dell'eredità imperiale. Il fregio storico, in posizione centrale e prominente, illustra sia l'ideologia imperiale che lo stile dell'epoca costantiniana. Oltre alle raffigurazioni di discorsi davanti ai cittadini e scene di distribuzione di sussidi, una caratteristica particolarmente notevole è la messa in scena di un rituale ieratico di corte in cui l'imperatore assume una posizione rigorosamente frontale. Questa convenzione, sottolineata dalle accoglienti figure di profilo, fu adottata dai consoli nei dittici in avorio, dai proprietari delle ville nei mosaici e perfino nella rappresentazione di Cristo tra gli apostoli sotto le cupole delle absidi delle chiese.

Uno stile comune alla scultura e all'arte visiva colorata appare nella prima metà del IV secolo. Ecco perché è estremamente lineare e immagine grafica le figure sul fregio dell'Arco di Costantino e sui sarcofagi moderni sono vicine a quelle dei mosaici di Piazza Armerina in Sicilia, Santa Costanza a Roma, Aquileia nel nord Italia e Centzella vicino a Tarragona in Catalogna. Gli elementi fondamentali del ritratto, con occhi grandi e capelli corti che sottolineano la rotondità della testa, si ritrovano già in opere realizzate sotto la tetrarchia, la più famosa delle quali è il gruppo in porfido di quattro sovrani riutilizzato nel Medioevo sul lato facciata della Basilica di San Marco a Venezia.

Scultura paleocristiana

Quando scolpiti nel marmo o nel porfido, i sarcofagi erano decorati con pannelli scolpiti paragonabili in tutto e per tutto ai fregi dei grandi monumenti pubblici. Questi oggetti caratteristici della tarda antichità erano talvolta "prodotti in serie" e potevano essere acquistati come prodotti standardizzati da chiunque desiderasse perpetuare la propria memoria in vita o quella di parenti stretti appena morti. Come testimonia l’iscrizione ad Arles: “Nei 17 giorni di calendario di aprile, Marcia Celsa, la donna più eccezionale che visse 38 anni, 2 mesi e 11 giorni, riposa in pace qui”. Era anche possibile progettare i sarcofagi secondo le esigenze individuali. Nel secondo quarto del IV secolo Flavio Gennaro ordinò che la moglie defunta fosse raffigurata come una figura orante, posizionata al centro del pannello principale del sarcofago tra i due apostoli e scene del Vangelo.

Scultura barbarica e lavorazione dei metalli

A partire dall'inizio del V secolo, l'arrivo di vari popoli germanici in Occidente e il loro insediamento nei territori dell'antico Impero Romano portò all'emergere di una cultura originaria con componenti romane e germaniche. La prima invasione avvenne nel 401, quando i Visigoti, guidati da Alarico, entrarono in Italia. Giunto alle porte di Roma, questo popolo, guidato da Ataulf, si ritirò nella Gallia meridionale nel 412. Un po' prima, alla fine del 406, i Vandali, gli Alani e gli Svevi attraversarono il Reno a Magonza o Worms e si diressero verso la penisola iberica. La storia delle campagne di questi popoli, delle loro conquiste e della progressiva sedentarizzazione ricoprì tutto il V secolo. Il loro eventuale insediamento in determinate aree costituì la prima fusione nella geografia storica medievale. I Franchi in Gallia, i Visigoti nella penisola iberica e gli Ostrogoti in Italia produssero opere d'arte originali appartenenti quasi esclusivamente alla lavorazione dei metalli e all'arte del fabbro. Dal punto di vista architettonico, hanno apprezzato ciò che hanno trovato nei paesi romanizzati. Ecco perché, mentre le necropoli rivelano ambienti funerari di origine germanica, le ville scavate dagli archeologi rivelano un'architettura e un'arte musiva nella più pura tradizione romana. Simbiosi tra questi diversi culture artistiche segnò l'inizio di una nuova civiltà medievale.

Numerose furono le opere degli orafi del periodo delle invasioni barbariche. Consistevano in oggetti liturgici, stoviglie, armi e gioielli personali. È nota l'opera di Sant'Eligio, orafo della corte merovingia e creatore di oggetti liturgici come la Croce di Saint Denis. Ma la produzione di gioielli di questo periodo è studiata principalmente a partire da reperti funerari. Il tesoro di Sutton Hoo è la più famosa delle sepolture reali o principesche del primo periodo anglosassone. Il suo contenuto, ora al British Museum, fu riesumato dalla nave sepolta nel 1939. Gli oggetti che componevano questo tesoro includevano importazioni dal Mediterraneo orientale (piatti in argento e bronzo), Svezia (scudi), Gallia merovingia (monete) e Renania (armature). La data della sepoltura è stata stabilita da oggetti d'argento bizantini sui quali sono stati trovati timbri di ispezione dell'imperatore Anastasio.

I manufatti anglosassoni conservati nel tesoro di Sutton Hoo consistono principalmente in armi, gemme e oggetti di uso quotidiano. L'oro è abbondante e lo smalto - per lo più cloisonne - è distribuito in piccole cellule multicolori che articolano la superficie. Ma pur enfatizzando la tecnica, non dobbiamo trascurare il repertorio decorativo che appare sui prodotti moderni. Forme geometriche e decorazione figurativa sono strettamente intrecciate in un groviglio di curve che spesso descrivono continue alternanze. Questi motivi si diffusero poi in tutta l’Europa occidentale attraverso la circolazione di manufatti e manoscritti.

Tra i Merovingi, queste opere di gioielliere venivano trovate nelle tombe delle persone più ricche. Alcuni di loro preferivano ancora la sepoltura nei sarcofagi secondo la tradizione classica. Spesso i sarcofagi trapezoidali, caduti in disuso nel corso dell'VIII secolo, erano decorati con croci o motivi geometrici. I sarcofagi in gesso, rinvenuti in grandi quantità nella regione parigina, formavano un gruppo speciale e la loro area di distribuzione si estendeva da Rouen all'Yonne e dalla Loira alla Marna. Nel sud della Francia la produzione di sarcofagi in marmo continuò fino al V secolo, se non oltre, mentre in Aquitania in particolare un gruppo di sarcofagi con coprisella e ubiquamente decorati con fogliami continuò certamente ad essere prodotto fino alla fine dell'età merovingia. periodo. Questi prestigiosi oggetti viaggiarono in tutta Europa, ma i loro intagli furono probabilmente eseguiti nelle officine urbane dell'Aquitania. Soddisfavano le esigenze dei grandi proprietari terrieri della Gallia sud-occidentale, per i quali la caccia era ancora il passatempo preferito, come dimostra il sacrofago conservato al Museo Agostiniano di Tolosa.

Tra le tombe privilegiate figura una cappella funeraria aperta a sud-est della città di Poitiers nel 1878, la cui decorazione scultorea è particolarmente importante. Questo ipogeo, noto come Ipogeo delle Dune, era costituito da una "sala commemorativa" circondata da diverse strutture religiose ed era situato in una necropoli. Il monumento, databile alla fine del VII o al primo terzo dell'VIII secolo, era una sorta di tomba di famiglia con diverse tombe; una lunga iscrizione sullo stipite della porta destra recita: “Mellebaudi, debitore e servo di Cristo, mi sono creato questa piccola grotta nella quale giace la mia indegna tomba. Ho fatto questo nel nome del Signore Gesù Cristo, che amo, nel quale ho creduto..."

Una scala con dieci gradini conduce al ripostiglio. Il monumento è costituito da un ambiente ampliato da due arcosoli laterali. Oltre alle colonne e ai capitelli che incorniciano l'ingresso, la scultura architettonica si estende sui tre gradini della scalinata, sulle cornici delle porte e sul gradino davanti alla pedana dell'altare. Questa decorazione a finissimo rilievo è composta da foglie di omento, pesci e una treccia a quattro punte con teste di serpente sugli arti. Il monumento conserva anche elementi di mobilio intagliato, che testimoniano l'esistenza di botteghe ben organizzate. Figure alate decorano le lastre utilizzate per rivestire i sarcofagi posti vicino all'altare. In uno di essi sono raffigurati i simboli degli evangelisti Matteo e Giovanni e degli arcangeli Raffaele e Rachele. Accanto all'altare c'era un basamento di colonna scolpito, decorato con due figure inchiodate su croci, che potrebbero essere interpretate come due ladroni ai lati della crocifissione di Cristo, oggi scomparsi. Un altro frammento scolpito rappresenta la parte inferiore, designata nell'iscrizione come Simeone.

Stilisticamente, queste sculture ricordano le opere e i monumenti visigoti del VII secolo nel nord Italia. Sociologicamente, l'Ipogeo delle Dune di Poitiers illustra il fenomeno dell'"aristocratizzazione" di una parte della necropoli: una tomba ecclesiastica privilegiata, che in origine poteva essere una cappella e comunque ad uso privato. Un frammento del coperchio reca la seguente iscrizione: “Memoria di Mellebaudis (memoria), abate, debitore di Cristo. I pii vengono da ogni parte a Lui (Cristo) per le offerte e ritornano ogni anno”. La decorazione scultorea dell'ipogeo di Poitiers dimostra, così come iscrizioni e tracce di pittura, che le élite merovingie avevano una cultura ibrida, che combinava la cultura classica, come testimoniano gli elementi orientali, e l'arte dell'alternanza che così chiaramente definisce le innovazioni plastiche di Poitiers. l’alto medioevo in Occidente.

Arte carolingia: avorio e oro

La rinascita culturale carolingia non arrivò improvvisamente, né con l’ascesa di Carlo Magno né con la sua incoronazione a Papa nell’800. Cominciò alla fine del VII secolo in Italia, Gallia e nelle isole britanniche. Da questo periodo ebbe inizio la rinascita monastica dell'Occidente. Corby, Laon, Tours, Fleury-sur-Loire e Saint-Denis erano centri culturali molto prima della rinascita carolingia, erano famose per i loro scriptoria e le loro biblioteche, come le abbazie tedesche di Echternach, Saint-Galle e Fulda. (Vedi: Arte medievale tedesca intorno al 800-1250.) Il regno di Carlo Magno e di suo figlio Luigi il Pio (dal 768 all'855) portò alla costruzione di centinaia di monasteri, quasi trenta nuove cattedrali e circa un centinaio di residenze reali. Vedi Arte carolingia (750-900 circa).

Il desiderio di rivaleggiare con il prestigio di Roma e Bisanzio fu alla base della decisione di Carlo Magno di scegliere una residenza permanente in cui stabilire la sua corte, il suo tesoro e la sua biblioteca. Il palazzo di Carlo Magno ad Aquisgrana e la tenda palatina, ivi costruita sul modello di Ravennato tra la fine dell'VIII e l'inizio del IX secolo, formarono un centro per l'arte religiosa e per lo studio delle lettere, in cui maestri famosi come Alcuino ha preso parte. Nei laboratori di corte si producevano manoscritti illustrati, che costituivano uno dei mezzi più efficaci per preservare la cultura antica e diffondere il gusto artistico moderno. Tra i primi libri illustrati a corte prima della fine dell'VIII secolo vi fu l'Evangeliario di Godescalco, che rivela la crescente importanza dei modelli italici e bizantini. I manoscritti della scuola dell'Inferno, firmati dalla badessa del monastero, presumibilmente sorella di Carlo Magno, segnarono un momento di diversificazione nelle scuole palatine, corrispondente alla successione di Alcuino da parte di Eginardo.

Le nuove tendenze artistiche apparse sotto Luigi il Pio dopo la sua incoronazione possono essere rintracciate nei Vangeli (Antico Tesoro Imperiale, Vienna), questo è lo stile ellenistico o alessandrino. A Reims, sotto l'arcivescovo Ebbo, i manoscritti erano illustrati in uno stile dominato dal movimento che sembra scuotere le figure e i loro vestiti. Il Salterio di Utrecht, scritto e illustrato nell'Abbazia di Utvilliers alla fine del primo terzo del IX secolo, caratterizza soprattutto questo Rinascimento carolingio e la scuola di Reims con la sua penna veloce, acuta, brillante e nervosa. Dopo la morte di Carlo Magno e la caduta di Ebbo a Reims, diversi artisti fanno rivivere la scuola di Saint-Martin di Tours, distinta dall'abate Viviano (843-851) illustrando Bibbie con scene narrative disposte in registri applicati.

La produzione dei manoscritti, realizzati in diversi laboratori specializzati, richiedeva il lavoro di orafi e artigiani specializzati nell'intaglio dell'avorio, principalmente per la produzione di gioielli preziosi. Ciò spiega la stretta relazione stilistica tra manoscritti miniati e sculture in avorio. Si presumeva addirittura che i laboratori fossero attrezzati per produrre entrambi i generi. Pertanto, l'avorio della Scuola dell'Inferno è molto simile ai manoscritti dello stesso circolo. Le copertine dei Vangeli di Lorsch, realizzate alla fine dell'VIII secolo, si basano su modelli bizantini dell'epoca di Giustiniano, mentre le copertine del Salterio Dagulf trovano la loro fonte nelle opere paleocristiane occidentali. Questa ricchezza di fonti dimostra anche il ruolo che queste officine hanno avuto nella trasmissione dei modelli tardoantichi. A Metz, durante l'episcopato di Drogo (825-855), i pannelli d'avorio ("Comunione di Drago") riflettono un movimento di rinascita dei manoscritti della stessa scuola, in cui si notano contrasti con la scuola di Reims.

Lo sviluppo del culto delle reliquie e l'aumento delle dimensioni delle chiese maggiori divennero fonte del lussuoso lavoro degli orafi in epoca carolingia: urne, statue di ogni genere, reliquie di ogni genere, copertine di libri e altri oggetti per uso liturgico l'uso costituì una parte essenziale della produzione, destinata a svolgere un ruolo importante nello sviluppo della scultura monumentale. Buon esempio Lo troviamo in un reliquiario chiamato Arco di Trionfo di Eginardo, conosciuto solo da un disegno. Serviva senza dubbio da piede della croce e la sua ricca decorazione si ispira agli oggetti trionfali romani e paleocristiani, proclamando allo stesso tempo l'immagine iconografica monumentale dei grandi portali delle chiese romaniche.

L'oreficeria carolingia trasse vantaggio dai progressi compiuti in epoca merovingia e unì l'antica pratica delle partizioni con la coniazione e l'intarsio. Tra le opere più famose vi è la rilegatura del Codice di Monaco con decorazione divisa in cinque campi e il ciborio del re Arnolfo. Eccezionale per dimensioni, prestigio e influenza sulla scultura è anche la pala d'oro e d'argento del Fronte di Milano, commissionata dall'orafo Volvinius all'episcopato di Anguilberto II. Sul fronte scene religiose e sul retro scene della vita di Ambrogio, santo milanese. Le differenze di stile osservate tra le due parti corrispondono esattamente alla situazione dell'arte carolingia, combattuta tra abbagliante antichità e nuova estetica. La scultura in bronzo e la statuina di Carlo Magno (Louvre, Parigi) indicano chiaramente questa doppia dimensione, confermando l'idea imperiale. Questo è un riflesso delle botteghe dei fonditori del bronzo, che hanno lasciato altre opere famose nella cappella di Aquisgrana, come le inferriate delle gallerie e le porte. Vedi anche: Arte ottoniana (900-1050 circa).

Per un'altra scuola d'arte medievale influente ma successiva nell'Europa occidentale, fortemente influenzata dalla cultura carolingia, leggi l'Arte di Mosan, apparsa intorno a Liegi, esemplificata dalla lavorazione dei metalli e dall'oreficeria